Finalisti

FELICITY HAMMOND

FELICITY HAMMOND

Autonomous Body

Autonomous Body mira a creare nuove connessioni fra la storia e il futuro della produzione automobilistica e i processi estrattivi che la rendono possibile. Il lavoro analizza il modo in cui gli sviluppi tangibili e intangibili dell’industria dell’auto sono collegati in una rete globale che va dalla miniera alla macchina. Il progetto di Felicity Hammond esplora le connessioni tra l’estrazione di materie prime e l’estrazione di dati, utilizzando la staged photography, il collage e l’intelligenza artificiale per ricostruire il processo di produzione dell’immagine fotografica digitale dal materiale di partenza al pixel, dal sottosuolo allo schermo. Partendo da questa indagine, l’artista si concentra sulla produzione automobilistica, mettendo in relazione i processi estrattivi che l’hanno alimentata in passato e quelli che garantiranno il futuro delle automobili elettriche. Con il passaggio all’era dei veicoli a guida autonoma, infatti, i processi di generazione automatica delle immagini diventano cruciali per il funzionamento dell’auto. Il progetto mostra come l’odierna produzione di auto elettriche abbracci i principi dell’industria 4.0, in contrasto con l’automotive come simbolo dell’industrializzazione novecentesca. Il comune denominatore tra questi processi produttivi consiste nell’attività estrattiva che ha luogo all’inizio e alla fine di entrambi. Il fotocollage è la tecnica scelta per mettere materialmente insieme i diversi registri sui quali opera l’automobile: impatto ambientale, cambiamento industriale, sfruttamento del suolo e lavoro. Utilizzando pellicole viniliche stampate e idropittura, l’artista ricorre a un linguaggio visivo che rimanda sia all’ambiente delle corse e delle auto modificate sia alla trasformazione dei processi di produzione necessari a preservare il futuro dell’industria automobilistica.

Felicity Hammond è nata nel 1988 a Birmingham, nel Regno Unito, e attualmente vive a Londra. Ha conseguito un master in fotografia presso il Royal College of Art di Londra nel 2014 e un dottorato di ricerca sull'arte contemporanea presso la Kingston University di Londra nel 2021. Attraverso le sue opere e la sua ricerca, l'artista indaga il potere dei media fotografici, mettendo in luce la loro funzione rispetto all’impatto del paesaggio urbano e dell’estrazione di minerali. La sua pratica fotografica, che comprende l'installazione, il collage e la fotoscultura, si confronta con l’intreccio tra spazio digitale e spazio fisico.

GOSETTE LUBONDO

GOSETTE LUBONDO

Imaginary Trip III

Imaginary Trip III si inscrive nella ricerca di Gosette Lubondo sulla memoria e la storia del suo paese, che in questo terzo capitolo prende in esame le industrie coloniali di Lukula, nella regione del Congo Centrale, nella Repubblica Democratica del Congo. Parte integrante della “missione civilizzatrice” del sistema coloniale, queste industrie specializzate nella produzione di legname e altri prodotti regionali costituivano centri nevralgici dell’economia locale. Dopo l’indipendenza, riuscirono a sopravvivere negli anni settanta, per poi chiudere i battenti nel decennio successivo. Interessata alla vicenda industriale di Lukula e dei suoi abitanti, Lubondo si propone di rimettere in scena il passato di quel luogo, ma al tempo stesso pensare a una forma di rinascita del genius loci attraverso l’atto artistico. L’artista si reca dunque in questi luoghi e fotografa gli ex operai che continuano a sorvegliare gli edifici abbandonati, sopraffatti da una natura lussureggiante, sperando ancora in una ripresa delle attività. Lubondo attraversa i siti industriali insieme ai soggetti e li invita a muoversi negli spazi, riprendendoli come presenze-assenze, figure oniriche catturate in pose dinamiche o statiche, mentre si confrontano con i loro ricordi personali. Nelle sue composizioni fotografiche coreografate minuziosamente e nel video che le accompagna, Lubondo ricostruisce questa storia industriale collettiva e la complessa eredità coloniale attraverso il prisma dei sogni infranti e delle promesse non mantenute dell’indipendenza, ma anche dell’insopprimibile utopia di una rinascita.

Nata nel 1993, Gosette Lubondo vive e lavora a Kinshasa, nella Repubblica Democratica del Congo. Laureata in comunicazione visiva all’Accademia di belle arti di Kinshasa nel 2014, si è avvicinata molto presto alla fotografia su ispirazione del padre, fotografo professionista. Il suo lavoro esplora il tema della memoria e la storia degli spazi fisici ma anche delle persone che li abitano. Attraverso sessioni e performance fotografiche indaga questioni legate alle vicende del proprio paese, alla propria storia e all’identità personale.

SILVIA ROSI

SILVIA ROSI

Kɔdi

Il fulcro di Kɔdi sono le commercianti di stoffe del mercato di Assigamé, a Lomé, in Togo, e il loro rapporto con il tessuto wax, simbolo della comunità locale e dell’emancipazione femminile. Le venditrici di wax print togolesi, chiamate affettuosamente “Nana Benz”, ebbero grande successo nel commercio di questi tessuti, ottenendo notevoli profitti e diventando le prime nel paese a potersi permettere auto Mercedes Benz. Queste imprenditrici tuttavia non si limitarono a vendere stoffe, ma assegnarono ai motivi stampati nomi e significati precisi, inventando un sistema di comunicazione unico nel suo genere, una sorta di linguaggio preverbale. Con nome quali “Se hai qualcosa da dirmi, dimmelo in faccia”, “Corro più veloce della mia rivale” o “Cara, non voltarmi le spalle”, questi tessuti erano ricercati non solo per i motivi che li ornavano ma anche per i messaggi che comunicavano. Le Nana Benz svolsero un ruolo fondamentale, seppur misconosciuto, anche nelle lotte per l’indipendenza del paese. Molte di loro sostennero segretamente il movimento la liberazione nascondendo messaggi tra i tessuti che vendevano e trasportavano per la città. Questa storia non documentata non solo ridefinisce il ruolo femminile nella conquista dell’indipendenza, ma aggiunge una nuova dimensione alla funzione già molto articolata di queste stoffe. Il complesso ruolo delle Nana Benz è restituito da Silvia Rosi attraverso una serie di ritratti segnati da strategie di dissimulazione. Non solo l’artista raffigura soggetti che indossano abiti decorati dagli stessi motivi del fondale, scomparendo quasi sullo sfondo, ma realizza anche stampe in negativo, proponendo immagini che versano in uno stadio intermedio, precedente allo sviluppo vero e proprio. Qui l’’uso dello spazio negativo è simbolico: le immagini in negativo rappresentano eventi ancora da svelare, storie “nascoste in bella vista”. Ai ritratti delle Nana Benz si alternano cinque immagini quadrate di oggetti impacchettati che ricordano gli articoli trasportati per strada dalle donne, ma anche i messaggi segreti che quelle stesse donne riuscivano a consegnare.

Silvia Rosi, nata a Scandiano, Italia nel 1992, vive tra Lomé (Togo) e Londra (Regno Unito). Ha conseguito la laurea in Fotografia nel 2016 presso LCC, University of the Arts London. Nella sua pratica si serve della fotografia e dell’immagine in movimento per esplorare lo spazio della memoria e dell’autorappresentazione. Nel 2020 è stata premiata con i Jerwood/Photoworks Awards per la serie Encounter, che ripercorre la sua storia personale attingendo al retaggio togolese della sua famiglia.

Winner

SHEIDA SOLEIMANI

Winner

SHEIDA SOLEIMANI

Flyways

Flyways è una serie fotografica incentrata su due modalità di lavoro sempre più urgenti in un mondo governato dalla distruzione diretta – e indiretta – della vita umana e non umana. In quest’opera – la prima a fondere esplicitamente la ricerca e la pratica artistica dell’autrice con il suo ruolo di riabilitatrice ufficiale della fauna selvatica – Sheida Soleimani propone simboliche vie di fuga, instaurando un nesso tra la devastazione della vita e l’aspirazione a un futuro più giusto e accogliente per tutte le specie. In quanto operatrice ambientale e figlia di profughi iraniani vittima di persecuzione, detenzione e tortura per il loro attivismo, Soleimani ha sperimentato in prima persona la capacità delle infrastrutture di ferire e uccidere. Costruite come tableaux stratificati, le sue fotografie presentano attraverso immagini recuperate online e oggetti simbolici e carichi di significato una duplice narrazione: le storie delle persone incarcerate per aver partecipato al movimento di protesta Donna Vita Libertà in Iran e le vicende degli uccelli migratori feriti affidati alle cure di Soleimani. L’artista ha svolto ricerche intensive per individuare le storie delle persone in carcere, tra cui quella della propria madre. Per portare alla luce e far circolare fuori dal paese queste storie (generalmente censurate dal regime Iraniano), ha comunicato con molti cittadini lavorando per garantirne la sicurezza. Allo stesso tempo per proteggere l’identità di queste persone ha sostituito i loro volti con le immagini degli uccelli affidati alle sue cure. Così facendo, ha fornito delle “rotte migratorie” che permettono loro di attraversare i confini politici e i canali di comunicazione ufficiale.

Sheida Soleimani (nata nel 1990) è un’artista, educatrice e attivista iraniano-americana che vive a Providence, Rhode Island (USA). Figlia di rifugiati politici fuggiti dall'Iran all'inizio degli anni Ottanta, indaga le storie di violenza che collegano l'Iran, gli Stati Uniti e il Medio Oriente. Ricorrendo a forme e mezzi diversi – fotografia, scultura, collage e film –, spesso si appropria di immagini di partenza tratte dai media popolari/digitali e le ricolloca all'interno di contesti inquietanti.

KAI WASIKOWSKI

KAI WASIKOWSKI

The Bees and the Ledger

The Bees and the Ledger esplora i temi dell’industria, delle migrazioni e del lavoro attraverso il ritratto della nonna dell’artista, Natalia Broadhurst, emigrata negli anni settanta dalla Polonia in Australia a bordo di una nave da carico. Benché in Polonia avesse lavorato per molti anni nel settore della logistica e dei trasporti marittimi, all’arrivo in Australia, a Kamberri / Canberra, la donna non è mai riuscita a impiegare le competenze acquisite. La sua è un’esperienza comune a molti lavoratori immigrati, i quali, a seconda del paese d’origine, del sesso e della conoscenza della lingua inglese, hanno dovuto affrontare una xenofobia sistemica e spesso si sono visti negare un posto di lavoro nel settore da cui provenivano. Il lavoro di Wasikowski si articola in due installazioni che si fronteggiano. Su una parete troviamo 47 fotografie ordinatamente disposte a griglia raffiguranti Broadhurst circondata da oggetti che mappano aspetti della sua vita personale e professionale. Sulla parete opposta una serie di scene più vive, realizzate tra Australia e Polonia, raccontano la sua storia attraverso luoghi, persone e situazioni significativi. Nell’ambito della sua ricerca, Wasikowski si è recato in Polonia con sua nonna per ricostruire le radici della famiglia e visitare la compagnia di spedizioni per cui Broadhurst aveva lavorato, in particolare gestendo i libri mastri delle navi in arrivo e in partenza. Con il procedere del progetto, i due hanno approfondito l’impossibilità per la donna di trovare lavoro in Australia malgrado le speranze riposte nel trasferimento e gli studi di legge, psicologia e architettura. Ciononostante, la donna è riuscita a costruire una piccola casa e ha dedicato gran parte del suo lavoro all’orticoltura, all’apicoltura e alla cura della famiglia.

Kai Wasikowski è nato a Canberra, in Australia, nel 1992 e attualmente vive e lavora a Gadigal Land / Sydney. La sua pratica artistica comprende fotografia, video e scultura. L’artista attinge spesso alla fotografia di paesaggio e alla conservazione ambientale come punto di partenza per il suo lavoro, indagando come la prospettiva coloniale utilizzi la fotografia per oscurare le stratificazioni sociali e politiche legate alla terra, alle risorse, al possesso e all’appartenenza. Wasikowski ha conseguito un Master in Fine Arts presso la Rhode Island School of Design nel 2023 e il Bachelor of Visual Arts (First Class Honours with University Medal) presso l'Università di Sydney nel 2016. Il suo lavoro ha ricevuto importanti riconoscimenti, tra cui la Dr Harold Schenberg Art Fellowship del Perth Institute of Contemporary Arts (2017), la AusArt Scholarship dell'American Australian Association (2020) e la Marten Bequest Scholarship di Creative Australia (2021).